Fendi es una casa de moda creada inicialmente por Adele Casagrande en Roma en 1918, consistía en productos de lujo realizados con piel y cuero; cuando se casó con Edoardo Fendi, en 1925, la tienda adoptó el nombre de este y se transformó. El negocio fue heredado por las cinco hijas del matrimonio (Paola, Franca, Carla, Anna y Alda) y éstas decidieron darle un ajuste moderno a la marca, por lo que en 1925 contrataron a un joven diseñador, se trataba de Karl Lagerfeld.
Franco Savorelli sugirió a las hermanas que fuera Lagerfeld el elegido para refrescar los diseños de la marca, pues éste ya había trabajado para Pierre Balmain, Jean Patou y luego Chloé en París, y Krizia en Milán; éstas aceptaron y en 1965 comenzó la colaboración. “Yo tenía una visión moderna, así que me reuní con las cinco mujeres, ellas querían que hiciera una pequeña colección de pieles pero llevadas de otra manera, mirando hacia el futuro, se trataba de modernizar la tradición” declaróel modisto.
El estilo que estableció fue uno creativo, divertido e insolente, por lo que acuñó la expresión “fun furs” haciendo referencia a que las pieles podían reflejar diversión y elegancia al mismo tiempo. Debido a esa frase es que Karl diseñó la “Zucca” o la doble “F” que se volvería en el emblema de la marca de moda.
El éxito del logo de Fendi se debe a que no sólo fungía como símbolo, se convirtió en un monograma, emblema y un ícono representativo que al mismo tiempo aparentaban grecas latinas, lo que regresaba a la marca a sus orígenes italianos. Pronto fue utilizado en todos los diseños y actualmente representa uno de signos más importantes y representativos del mundo de la moda.
Hoy hablaremos de las 10 pinturas MÁS CARAS del mundo!!
Primero (y muy importante) hay que tener SÚPER claro que el negocio del arte es sucio. Está controlado por una cantidad muy pequeña de personas, es elitista, corrupto y los precios que estoy a punto de enseñarles no es porque la pintura sea la cosa más impresionante del mundo, (digo, hay excepciones), si no porque hay mucha gente dedicada a elevar los precios para que nunca se devalúen.
10. «Nu Couché» de Amadeo Modigliani
Se vendió en el 2015 por la casa de subastas Christie’s en $170.4 millones de dólares. Y dicen que el comprador, un billionario de China, pagó con su American Express.
9. «Les Femmes d’Alger» de Pablo Picasso
Se vendió en el 2015 por la casa de subastas Christie’s en $179.4 millones de dólares.
8. «Pendant portraits of Maerten Soolmans and Oopjen Coppit» de Rembrandt van Rijn
Se vendió en el 2015 en una subasta privada por $180 millones de dólares. Historiadores defienden que estas dos pinturas siempre deben de ser exhibidas juntas y ahorita están en el Louvre.
7. «Wasserschlangen II» de Gustav Klimt
La compró un billionario ruso, Dmitry Rybolovev, por $183.8 millones de dólares.
6. «No. 6 (Violet, Green, Red)» de Mark Rothko
Un cuadro que influyó increíblemente en el arte contemporáneo, se vendió en el 2014 en $186 millones de dólares.
5. «Number 17A» de Jackson Pollock
Se vendió en el 2015 por $200 millones de dólares. Y probablemente estés pensando «hasta yo lo pude haber hecho» pero la verdad es que no. No inventaste una técnica que revolucionó la historia del arte, ni eres el artista abstracto más importante del siglo XX.
4. «Nafea Faa Ipoipo» de Paul Gauguin
Se vendió en $210 millones de dólares. De las obras más importantes del artista francés de su viaje a Tahiti.
3. «Card Players» de Paul Cezanne
Se vendió en el 2011 en una subasta privada por $250 millones de dólares. Esta es 1 de las 5 obras que existen de los jugadores de cartas.
2. «Interchange» de Willem de Kooning
Vendida en el 2015 en subasta privada por $300 millones de dólares. Se vendió junto con la obra de Pollock «Number 17A» que ocupó el lugar número 5 de esta lista.
1.» Salvator Mundi» de supuestamente Leonadro Da Vinci
La subasta empezó en la humilde cantidad de $90 millones de dólares, progresó a $140 millones de dólares y cerró en $400 millones de dólares. ¿Pero quién la compró?
Mohammed Bin Salaman bin Abdulaziz Al Saud, un musulmán fue el suertudo en llevarse lo que se creía que era la última pintura de Leonardo Da Vinci, y digo que «se creía» porque todo el mundo juraba e hiper juraba que si era de Leonardo hasta que Jerry Saltz (un famosísimo crítico del arte) y muchos historiadores expertos dijeron que: «Esa pintura no es de Da Vinci», ¿Pero cómo es posible si se vendió en $400 millones de dólares?!
Total nadie sabe donde esta «Salvator Mundi», la obra más cara del mundo. El Louvre de Abu Dhabi, el museo donde se supone que debería estar expuesto, ha cancelado más de 2 veces la exhibición y se ha negado a dar comentarios al respecto.
Después de tantos historiadores y expertos que se dedicaron a decirle al mundo que esta pintura no era de Da Vinci, el Louvre (donde estaría exhibida la obra) por fin dijeron que exhibirían la pintura pero no bajo el nombre de Leonardo Da Vinci, si no como «Del estudio de Leonardo», ¿y eso que significa? Que la pintura más cara del mundo oficialmente no es de Leonardo Da Vinci y para rematar, su valor bajará de $450 millones de dólares a $1.5 millones de dólares.
Te dejo el link de un video donde se explican las razones por las cuales se cree que no es Da Vinci.
Después de tantos historiadores y expertos que se dedicaron a decirle al mundo que esta pintura NO ERA DE DA VINCI; Y de nosotros los mortales no saber a quién creerle.. el Museo Louvre (donde estaría exhibida la obra) por fin suelta la información y está para no creerlo.
«Salvator Mundi»
Dijeron que exhibirían la pintura pero no bajo el nombre de Leonardo Da Vinci, sino como «del estudio de Leonardo», ¿y eso qué significa? Que la pintura más cara del mundo OFICIALMENTE no es de Leonardo Da Vinci, y para rematar…
Su valor bajará de 450 millones de dólares a… 1.5 millones de dólares.
Mohamed bin Salman
El príncipe heredero de Arabía Saudita fue quién compró la pintura a la cantidad de 4.5 millones en el 2017.
El arte siempre va a sobresalir como un área en dónde la subjetividad pasa a primer plano y la razón y la lógica en segundo. Te lo digo yo y te lo va a decir el mundo, para entender verdaderamente a una pintura te la tienes que fumar, como lo dije en la entrada pasada, no hay espacio para “pero eso no tiene lógica”. Y en el caso de la Mona Lisa no es la excepción, yo creo que al menos 8 de 10 que me leen, cifra acertada y sacada cuidadosamente de mi cabeza, se han preguntado al estar parados frente a esta obra de Leonardo con un miedo de que te contesten que no sabes nada de arte y que cómo te atreves a preguntar eso,“ ¿Qué tiene de especial La Mona Lisa? ¿Por qué es tan famosa?”
Visitors to the Musee du Louvre lining up see Leonardo Da Vinci’s La Joconde, better known as the Mona Lisa.
Aquí todas las preguntas se valen y todas se contestan, ¡hasta yo estoy de acuerdo! En el Louvre, donde vive y ha vivido la Gioconda por años, hay muchísimas más obras que pasan desapercibidas por el alboroto que causa ésta. Entonces, ¿por qué es tan famosa? Un crítico de arte, David Wallace dijo que la mayoría de las veces el valor de una obra no está en el trabajo en sí, sino en el contexto que fue hecha. Y con eso empezamos nuestra listita.
La obra fue pintada en las primeras décadas del siglo XVI, que ya sabemos que fue una época muy especialita para escoger su arte. Fue cuando muchos artistas, grandes pensadores y filósofos se atrevieron a dar a luz su arte y compartirlo con los demás mortales, por esto mismo es que las pinturas de esta época son muy valiosas para los coleccionistas. No olvidemos de quién la hizo, Leonardo Da Vinci es un factor importantísimo de su fama y agréguenle que él rara vez terminaba sus pinturas entonces pongas el cuadro que pongas, cualquier obra de él siempre va a sobresalir. Esto lo podemos ver también con los cuadros de Van Gogh o Frida Kahlo, que gracias a todo el chisme que se hizo de sus vidas, su arte es bien popular.
Y antes de echarte el cuento de que su sonrisa es lo que la hace tan famosa, que es porque nadie sabe en realidad quién es la musa, que su boca no está sonriendo pero sus ojos si, lo que importa saber es que este retrato pasó desapercibido hasta que en 1800 que fue descubierta por el señorón: Napoleón Bonaparte para ponerla en su baño, casual. Así pasó un siglo siendo un retrato renacentista “cualquiera” hasta que en 1911 fue robada del Louvre. Se armó un despapaye y entre los sospechosos estaba el mismísimo, Pablo Picasso, el chisme hubiera estado muy bueno si sí hubiera sido él pero no. Vincenzo Peruggia, un italiano aficionado que quería regresar la pintura a su pueblo natal fue el autor del robo y culpable de que no se supiera nada de ella por 2 años. El robo fue un lunes y el museo se dio cuenta hasta el martes, ¿quiénes eran los guardias de seguridad y dónde consigo su número para contratarlos? La búsqueda de la Mona Lisa fungió como una súper campaña de publicidad de 2 años pues la gente visitaba el Louvre solamente para ver el espacio vacío en la pared. Desde ese día en Agosto, la Gioconda pasó de ser un retrato más a convertirse en la mera, mera del arte. (Vincenzo Perrugia cumplió 7 meses de cárcel por el robo).
Hablemos del turismo y el valor tanto cultural como económico que le aporta a Francia, no cabe duda que tener una pintura de la grandeza de la Mona Lisa no es cualquier cosa. La Gioconda le deja muchísimo dinero al gobierno local gracias a que más de 100,000 personas al día entran al Louvre solamente a ver la pintura, esta cifra si es verídica no sacada de mi cabeza.
Oye y si es tan importante entonces ¡¿cuánto vale?! La Mona Lisa jamás ha salido del Louvre y probablemente no estaremos vivos para cuando lo haga, pero es de las pocas o la única pintura del mundo que podemos considerar invaluable. Alguna vez leí que si juntas las 100 pinturas más caras que se hayan vendido, la suma no llega ni al 10% del precio que se le pondría a la Mona Lisa. Estamos hablando que la pintura más cara se vendió en 450 millones de dólares, la segunda en 300 millones, tercera 250 y en fin… jamás terminaría. Por lo tanto, podemos decir que la Gioconda es la pintura que rompe con todos los récords mundiales.
Si van a Paris, claro que es un sí seguro que la tienes que ir a ver, pero si enloqueces entre tanta gente, no olvides que también está la Venus de Milo, Libertad Guiando al Pueblo de Delacroix, La balsa de Medusa de Gericault y muchísimas más que valen tu tiempo. La Mona Lisa es única y la verdad aquí es que es famosa por ser famosa.
Hablemos de la segunda pintura más famosa del mundo, ya que La Mona Lisa ocupa el primer lugar sin duda. El Beso de Gustav Klimt, una pintura que la mayoría de nosotros reconocemos en un instante pero que pocos sabemos de qué trata, cuál es su chiste, quién la pintó o por qué. Miles de personas en el mundo visitan la Galería Belvedere en Viena para quedarse boquiabiertos al verla en persona. Digo, eso me han dicho. Yo creo que el día que la llegue a ver en vivo y a todo color me va a dar algo parecido a la chirpiolca que le daba al Chavo del Ocho. La he estudiado y la he amado tanto que estoy segura que al estar frente a ella, se va a convertir en una experiencia casi religiosa.
El tesoro nacional de Austria está cubierto completamente de dorado, una pareja parada encima de una cama de flores, una vestimenta hermosa que hasta dan ganas de preguntar “¿Dónde compró el vestido de la chava? ¡Y díganme que estaba en oferta!” El beso fue pintada en 1908 con óleo y hojas de oro por el pintor austríaco Gustav Klimt a los 45 años de edad. Ese dato me deja con esperanza de que si no he hecho nada con mi vida, todavía estoy a tiempo.
Es importante saber la fecha en la que se pintó para no sorprendernos cuando te diga que la gente no reaccionó nada bien cuando la vio. Klimt fue criticado durante la mayor parte de su carrera (como todo buen artista) por sus obras “pornográficas y excesivamente pervertidas” incluyendo esta. ¿Lo pueden creer? Imagínense a esos mismos críticos viendo las obras de Kamasutra de Jeff Koons… nombre, se me mueren.
Con su reputación por los suelos y con la frente en alto, Klimt continuó inspirándose irónicamente, en mosaicos bizantinos de la Iglesia de San Vitale en Italia. El Beso fue y sigue siendo una representación de cómo el erotismo comenzó a meterse en la época moderna, en el arte y la sociedad. Algo así como el yolo de los millenials.
El Beso, Gustav Klimt, 1908
Entre las capas de tela y tanta decoración sucede “el beso” donde el hombre pierde la cabeza literal y simbólicamente por la mujer. Las manos de la mujer nos hacen pensar que tal vez se está quitando, pero su cara la delata por completo. Se deja llevar con los ojos cerrados y cede al abrazo sin resistirse. Ambos representan energías opuestas y esto lo vemos en la ropa de la pareja. El hombre vestido de blanco y negro, formas racionales, rectangulares y la mujer equilibrando la pintura vestida de la madre naturaleza.
Y ¿quiénes son las personas de la pintura? ¡Nadie sabe! Claro que la historia del arte tiene sus suposiciones, como siempre, pero nada está confirmado ni comprobado. Muchos creen que se trata de Adele Bloch-Bauer (o mejor conocida como “Woman in Gold”) pero otros lo niegan. Después dicen que es un autorretrato del artista con Emile Floge, una de sus múltiples compañeras de vida pero no han encontrado algo que lo corrobore. Aparte de todo esto, Klimt no pintaba ni retrataba a hombres, entonces esto hace que El Beso sea todavía más wow.
Yo creo que lo importante aquí es poder ver esta obra maestra con ojos de asombro ante el talento de un grandísimo artista. Lo más bonito para mi de esta pintura es tanto misterio que hay detrás de ella y que estamos lejos de descubrirlo. Y si a ti no te gusta como a mi, ¡es más que válido! Qué increíble es el arte que no tiene reglas ni opiniones correctas o incorrectas, nos abre puertas a conversaciones que no hemos tenido o que estamos por tener.
La línea entre apropiarse de diseños de otros y ser influenciados o inspirados por el trabajo de diseñadores, artistas o cualquiera, es de lo más fina y de lo más comprobado del mundo. A veces hasta nosotros como simples mortales se nos olvida dar crédito al usar la fotografía de alguien o darle copy-paste a algo, pero qué pasa cuando se apropian los diseños de una artista de renombre durante años para crear una de las marcas de moda más exclusivas en el planeta?
Hablemos del caso de Barbara Kruger y Supreme.
Barbara Kruger es una artista visual y diseñadora gráfica que empezó con sus obras más famosas en 1969 y conocida por poner textos con la tipografía Futura Bold (tipografía desarrollada por Paul Renner) encima de un rectángulo rojos en imágenes en blanco y negro. Sus obras son críticas hacia el capitalismo, el patriarcado, feministas (aunque ella no lo llamaría feminista), denunciando los estereotipos de las mujeres, de seres humanos, nuestro rol en la sociedad, en fin, creo que ya me están entendiendo.
I Shop Therefore I am, 1990, Barbara Kruger.
Y por el otro lado, tenemos a Supreme. Una marca de las más exclusivas en todo el mundo. La empresa se basa en la exclusividad, produciendo un número limitado de camisas, gorras, calcetas, haciendo que la demanda del público sea muchísimo más alta que la oferta. “¿Achis y todo esto para qué?” Para lograr que una camiseta básica de algodón se convierta en un objeto de deseo y que la gente diga “O sea, ¡la tengo que tener!” Puede sonar medio tonto, porque sí lo es, pero tienen gente afuera de sus tiendas, (que por cierto, sólo existen en las más grandes ciudades del mundo), por hoooooooras para poder comprarse algo (lo que sea) de ahí. Una vez escuché a un chavo platicar que fue a Supreme de París, hizo 4 horas de fila para comprarse unas calcetas blancas sólo para decir que tiene algo original de ahí. Talk about perfect marketing startegies, hellow! Pero bueeeeeeno, cada quién sus chivas en cuanto a modelos de negocios ¿no? El chiste aquí es que Supreme se apropió 100%, totalmente, irrefutablemente de las obras de Barbara Kruger, y el que diga lo contrario le pasó toda mi recopilación de evidencia.
Supreme, 1994, Logo
James Jebbia fue quién fundó Supreme en 1994 y claro que mi compadre ya dio su declaración a dichas alegaciones; dijo que el logo de la marca sí fue “influenciado” por Kruger pero que jamás de los jamáses su intención fue apropiarse de sus diseños o sus ideas. A lo que en el 2013, Barbara contestó:
“Qué ridículo grupo de payasos poco chidos. Hago mi trabajo sobre este tipo de farsa tristemente tonta. Estoy esperando que todos me demanden por infracción de derechos de autor”
No me gustaría sesgarlos más de lo que ya lo hice pero por mucho que me gustaría que pudieran decidir por ustedes mismos si esto es o no una copia de la obra de Kruger, la verdad, la falta de originalidad en el diseño de Supreme es obvia, la falta de creatividad y asertividad de enmendar errores, pésima y finalmente, como marcas reconocidas mundialmente no sepan diferenciar entre la apropiación y la inspiración, triste y desconcertante. Barbara Kruger siempre criticó a una sociedad capitalista tóxica que irónicamente, son éstos mismos los clientes de Supreme.
Este workshop fue traído por Nuova Accademia di Belle Arti (NABA) una escuela de diseño italiana; y fue impartido por un profesor italiano Simone Valtulina; este workshop se dió el pasado 26 y 27 de febrero del 2019.
Este workshop consistía en crear un evento durante el verano a tu elección; donde tenias que usar el concepto de la marca que te tocara, en este caso me tocó Coca-Cola; creamos desde el logo del evento hasta el diseño de la publicidad, y este fue el resultado de mi trabajo.
Si sientes que todos tus proyectos son similares y no hay nada innovador, tal es momento de renovar tu estilo de diseño, aquí te decimos cómo.
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A medida que se conforma un perfil profesional, se crea un método de trabajo que combina procedimientos y características en los proyectos que realizas, pero en ocasiones algunos clientes solicitan productos que sean únicos o que no tenga que no se parezca a algo que realizaste, en esos momentos es importante saber como renovar tu estilo de diseño para transformar tu material; esto incluso sirve cuando existe un bloqueo creativo y no sabes como variar tus obras, te doy cinco tips para que puedas mejorar tus diseños, o darle otro giro para salirte de tu forma de confort.
Regresa a los clásicos:
Los estilos “vintage” son una fuente inagotable de inspiración, el Art Decó, Nouveau, Bauhaus, Gótico etcétera, puede ayudarte a crear diseños que retomen características o elementos como la tipografía, formas, texturas, entre otras.
Mezcla diferentes estilos:
Con lo anterior, podrás darte cuenta que crear un estilo nuevo es bastante sencillo si mezclas piezas de distintos, ojo no se trata de hacer una mezcolanza amorfa sin sentido, si no compaginar a la perfección los elementos y obtener algo innovador.
Sal de tu zona de confort:
Este tip te creará un sin fin de oportunidades y sólo debes intentar hacer lo contrario a lo usual, o sea que si tu estilo es minimalista, intenta crear algo detallado. Experimenta con pequeños cambios en tus procedimientos y poco a poco notarás la gran vuelta que se refleja.
Cambia las tipografías:
Así de sencillo como suena, cambiar un elemento habitual como las fuentes utilizadas, le dará un giro inesperado. Recuerda que la tipografía siempre debe ser armonioso con el resto del diseño, así que no por innovar crearás algo ilegible.
Revisa las tendencias:
Hemos hablado de los pros y contras de usar las tendencias, si es exitoso por su viralización o igualmente fugaz, debes reconocer para qué lo quieres y en qué circunstancias y así descubrir si las tendencias sirven para tu diseño. O aunque te decidas por no usarlas, siempre te servirán como un comparativo entre lo clásico y lo actual, en ese hueco tal vez encuentres la solución.
Studio Gráfico 