La fotografía es una de los aspectos de la creatividad visual más importantes, recuerda a continuación siete recomendaciones esenciales para que logres la mejor composición.
1. Ubica el objetivo
Date tu tiempo para seleccionar adecuadamente qué es lo que quieres fotografiar, para lograrlo deberás, entender su utilidad y preparar un discurso visual sensato.
2. Analiza el entorno
Revisa qué hay alrededor de tu objetivo, el cual debe ser protagónico en tu imagen, evita elementos que puedan restarle importancia en el fondo de tu toma.
3. Elimina el aire
Con aire nos referimos al espacio que resulta sobrado alrededor del objetivo; para eliminarlo, debes encuadrar el objetivo lo más cerca posible, esto te dará nitidez y eliminarás lo que sobra para darle mayor sentido a tu imagen.
4. Aprovecha las líneas
Las líneas de tu composición ayudan a dirigir la mirada del espectador hacia puntos de interés, ubícalas bajo este precepto.
5. Colores
Encuentra colores vivos, trata de encontrar el contraste Un buen contraste o unos colores vivos harán la composición más atractiva. Se deben tener en cuenta.
6. Regla de los nueve cuadrantes
Divide tu campo visual entre nueve cuadrantes. Recuerda la regla de los nueve cuadrantes y ubica a tu objeto en el quinto de ellos.
7. Prueba una y otra vez. Antes la fotografía era complicada porque no había más que un rollo de emulsión y había que ser cuidadoso de no desperdiciar los tiros, hoy la fotografía digital permite hacer un proceso de prueba y error mucho más efectivo.
Hay veces que pensamos que las cosas son obvias y en realidad las pasamos por alto o las ignoramos.
Si no recuerdas cuáles son las características de los colores cálidos, fríos, primarios, secundarios y terciarios. Este tema lo domine un poco más ya que llevé durante uno o dos semestre la materia específicamente sobre el manejo y la teoría del color.
Los colores primarios
El reflejo de la luz sobre los objetos da como resultado tres colores básicos: amarillo, rojo y azul. Ninguno de ellos se puede obtener de la mezcla de otros colores y por ello se consideran primarios. A su vez, de la mezcla de ellos es posible obtener el resto de colores que se pueden percibir en la naturaleza.
Sin embargo, para la industria de las artes gráficas se habla de otros modelos de colores primarios que involucran otros colores que no son precisamente los tres que hemos enunciado. Estos modelos permiten desarrollar productos específicos y su coloración:
Modelo RGB: Rojo, verde y azul.
Modelo CMY: Cian, magenta y amarillo.
Colores primarios psicológicos: Rojo, amarillo, verde y azul.
Pero más allá de la conveniencia de uno u otro modelo, en lo que sí coinciden los especialistas es en afirmar que de una base de tres colores es posible desarrollar toda una gama de colores que, si están presentes junto con la luz se acercan al blanco y, si se alejan de la luz, viran hacia el negro.
Colores secundarios
Los colores secundarios surgen de la combinación de dos colores primarios y la intensidad de cada uno de ellos depende d la proporción en la que se usen cada unos de estos.
Rojo + amarillo = naranja,
Rojo + azul = púrpura,
Amarillo + azul = verde.
Colores terciarios
Estos se obtienen de la mezcla de un color primario y un secundario y ciertamente no es más que la extensión de colores, ya sean primarios o secundarios, a los cuales se les confieren matices que los colocan más cerca de uno u otro color que los ha originado.
Colores cálidos y fríos
Para hablar de calidez o frialdad hay que asumir al color como algo subjetivo que permite evocar sensaciones que, con base en el propio conocimiento humano se pueden recordar o emular.
Bajo esa lógica entendamos que los colores cálidos van del rojo al amarillo, pasando por toda la variedad de colores secundarios y terciarios que hay entre ellos. Estos colores permiten evocar las fuentes de calor que existen en la naturaleza (fuego y sol).
Los colores fríos, a su vez, transitan entre el azul y verde, pasando por toda su gama de secundarios y terciarios. El azul permite evocar al agua y la ausencia de calor, mientras que el verde brinda la posibilidad de pensar en la humedad y frescura de la vegetación.
En alguna ocasión hemos tratado ya en redes sociales el tema del color y su significado aplicado a logos de marcas mundialmente conocidas. Hoy hablaremos en profundidad de los colores más usados y pondremos ejemplos de marcas que los han integrado en su imagen de marca.
Para una empresa, todo comunica, y cuando no tenemos mucha información sobre ella, su logotipo suele ser su cara más visible. Por lo tanto, transmitir su valores y filosofía empresarial a través de su logo, es el objetivo que toda marca se propone cuando hace su diseño de logotipo.
Nuestra mente funciona de manera automática hacia ciertos colores de los que de manera subliminal obtenemos información y reaccionamos por instinto, prácticamente. En cambio, existen otros colores de los que hemos aprendido su significado, muchas veces impuesto por la cultura en la que vivimos y que cambia según los países y círculos sociales en los que nos movamos.
Rojo
El color rojo se suele identificar con la fortaleza, la intensidad y la valentía. Se trata de un color con una gran dualidad puesto que lo podemos relacionar con emociones como la agresividad, la violencia, la sangre o el fuego; o transmitirnos emociones como el amor, la fuerza o la acción.
En el diseño de logos, el rojo es un color bastante utilizado por llamar a la acción del observador, incluso se dice de él que es capaz de abrir el apetito. Por ello, en marcas como Red Bull, Kellogg’s, Heiz, Coca-cola o Lays es el color predominante.
Naranja
Este color se compone de 2 colores primarios: el rojo y el amarillo; por lo que le prestan algunos de sus atributos. De esta forma, uno de sus significados más comunes es el de transmitir positividad y alegría, de hecho es uno de los colores con menos atributos negativos que encontraremos en diseño.
Marcas como Fanta, Mozilla, Gatorade, Easy Jet u Orange se componen básicamente de este color llamativo y vivaz.
Verde
El color verde es el que representa el Medio Ambiente, la Salud, la Naturaleza, la tranquilidad y, en general, la vida y la renovación. Nos aporta sentimientos de armonía, fertilidad y frescura.
Algunas de las empresas mundialmente conocidas que los utilizan como valor de marca son: Heineken, Starbucks, IntermonOxfam, Mercadona o Greenpeace.
Amarillo
Este color transmite, al igual que el rojo, una dualidad de significados como felicidad, alegría, calidez, positivismo; pero también puede generar emociones de cobardía o precaución. El amarillo es un color muy llamativo y visible que se utiliza en diseño para atraer la atención.
Ejemplos como McDonald’s, Hertz, Raid, Vueling, Post-it o Páginas Amarillas, serían una claramuestra de cómo las marcas desean llamar la atención del público.
Azul
Se trata de un color que transmite calma y serenidad, pero también se le atribuyen conceptos como el de seguridad, poder, éxito o confianza. El azul es uno de los colores más utilizados por los diseñadores gráficos y se utiliza en diversos sectores, desde el ámbito gubernamental, grandes corporaciones internacionales o Medicina.
Compañías como IBM, La Nasa, Facebook, Pfizer, Ford o BBVA han escogido este color para transmitir su filosofía empresarial.
Estos dispositivos para diseñadores gráficos conforman las herramientas básicas para desarrollarse correctamente y crear productos eficientes.
Designer working on responsive web design project. Web developer and programmer working in office with modern devices on desk
Existen herramientas que facilitan el trabajo para los creadores de contenido visual que ayudan a optimizar los tiempos de elaboración o concebir proyectos de una manera más fácil. En la era digital, lo anterior se trasladó a distintos “gadgets” que simplifican los procesos, pero la tecnología avanza tan rápido y tiene tanta competencia que para elegirlos correctamente se tienen que considerar ciertos factores para evitar invertir en algo que no resulte útil, por ello a continuación enlistamos cinco dispositivos para diseñadores gráficos que son indispensables.
Computadora:
Aunque la computadora se volvió un aparato necesario para muchas profesiones, en el diseño guarda una relación muy notable y estrecha, puesto que el desarrollo del trabajo entero se lleva a cabo en ella. Existen características indispensables para soportar la carga de trabajo que recibirá, por lo que es necesario que la elijas con conciencia.
Bolígrafo de pantalla táctil:
La oportunidad de continuar trazando a mano, pero con la ventaja de digitalizar todo al momento, es algo sumamente práctico, útil y que conserva el estilo gráfico de los profesionales, por ello contar con un bolígrafo para las pantallas táctiles es algo que cualquier diseñador necesita considerar.
Mesa de luz:
Las mesas de luz portátiles son una excelente ayuda para los ilustradores que desean crear dibujos de manera clara y precisa, consisten en aportar luz para que se pueda ver a través de ciertos materiales como el papel, este tipo de herramientas es fundamental cuando se desea optimizar los tiempos de entrega.
Impresoras 3D:
Una maravilla de la tecnología es la creación de miles de productos mediante las impresoras 3D, que simplifican todo el proceso de producción y permiten concebir un objeto con sólo tener el diseño digital.
Multicontacto o adaptador de entradas:
En ocasiones la utilización de los productos anteriores requiere diversas conexiones en cuanto a cables o tarjetas, por lo que es necesario que tengas siempre a la mano un adaptador o un multicontacto, para que no te quedes sin la posibilidad de utilizarlo por que no puedes enchufarte.
A 100 años de la Bauhaus lo herederos y protectores de esta corriente aún trabajan para acercar el arte y el diseño a las personas.
La Staatliche Bauhaus es una de las escuelas más importantes de diseño gráfico, arquitectura y arte, su reconocimiento, influencias, personajes, herencias y diseños aún continúan siendo fundamentales para el desarrollo de nuevos productos, pero a 100 años de la Bauhaus, ¿qué queda de ésta? y sobre todo ¿cómo se ha adaptado a las nuevas necesidades actuales?
Unos de los principales legados que nos dejó la escuela son sus edificaciones en Weimar y Dessau, ambas pertenecen al Patrimonio de la Humanidad de la Unesco desde 1996. Los cuales fueron pioneros en la imagen de modernidad al inicio del siglo pasado. Son un símbolo de la modernidad holística debido a su trascendencia en los aspectos sociales que combinaban arquitectura, arte y funcionalidad (ambos puedes conocerlos con visitas guiadas).
Hoy en día la oferta educativa sigue en ambos edificios, aunque con diferencias a sus predecesores y con distintas direcciones entre cada una de ellas. La Universidad Bauhaus de Weimer ofrece principalmente estudios de arquitectura y urbanismo , ingeniería civil , arte y diseño y medios de comunicación, en las que se distingue la experimentación, apertura, creatividad e internacionalidad.
Con información de Gaby Reucher para el sitio Deutsche Welle (DW), la profesora de radio experimental y vicepresidenta de la Universidad de la Bauhaus en Weimer, Nathalie Singer, informó que se creó un semestre especial (octubre 2018) para celebrar el centenario de la escuela y lo que esto significa: “En conferencias y coloquios, por ejemplo, consideramos qué ideas de entonces se pueden transferir a nuestra era digital o a nuestras preguntas sobre la relación entre el hombre, la naturaleza y la tecnología […] ahora nos enfrentamos, por ejemplo, a la gran pregunta de qué es lo que la digitalización está haciendo con el diseño, pero también con la sociedad y su comportamiento”.
Los estudiantes están preocupados por revolucionar la arquitectura al igual que sus predecesores, lo que antes se requería era construir edificios prácticos y a bajos costos, para facilitar la movilidad y el trabajo de las personas después de la Primera Guerra Mundial, actualmente la sostenibilidad y la eficiencia energética son temas primordiales.
En cambio Dessau está regido por la Fundación Bauhaus de Dessau quien se encarga de crear, mantener y difundir distintos proyectos que honran la visión innovadora de la escuela. Más cercana al arte y a la curaduría de los patrimonios existentes, en esta sede se mantuvieron los estudios abiertos hasta la década de los 2000, cuando se transformaron en talleres (labs), programas de investigación, eventos y un museo que abre sus puertas para el aniversario número cien.
Regina Bittner, Directora de la Academia de Dessau, estableció también para DW que “con las edificaciones de la Bauhaus y el nuevo Museo, inaugurado en el aniversario, tratamos de establecer vínculos entre la herencia física de la Bauhaus y la actualidad, así como introducir objetos de nuestra propia colección en las ciencias del diseño”.
También expresó que los proyectos surgidos de la Bauhaus están siendo valorados nuevamente, no sólo por el centenario, sino por que en el actual mundo globalizado se requiere de un nuevo tratamiento para los recursos naturales, así como su producción y consumo. “Una experiencia de crisis como ésta se vivió en los años 20. Entonces, los representantes de la Bauhaus buscaron soluciones para vivir y diseñar más humanamente en un presente cambiado por la industrialización”.
La Sociedad Americana de Editores de Revistas dio a conocer las 40 mejores portadas de los últimos 40 años en EEUU.
Fotografía, color, ilustración, tipografía y una correcta composición visual, además del tamaño simbólico y el impacto social e histórico de cada una de las imágenes presentadas brinda una idea de qué es lo que resulta importante para alcanzar la trascendencia creativa… algunas de estas portadas serán consideradas seguramente piezas de arte cada vez con mayor contundencia.
A continuación las diez más importantes portadas de este conteo, ¿qué te generan estas piezas de diseño editorial?
Rolling Stone, enero 22, 1981
Fuente: Rolling Stones
Vanity Fair (August 1991), Demi Moore
Fuente: The Cute
Esquire (April 1968) Muhammad Ali
Fuente: The Undefeated
The New Yorker (March 29, 1976)
Fuente: Pinterest
Esquire (May 1969) Andy Warhol
Fuente: Pinterest
The New Yorker (September 24, 2001)
Fuente: Page 45
National Lampoon (January 1973)
Fuente: National Lampoon
Esquire (October 1966)
Fuente: Fonts in Use
Harper’s Bazaar (September 1992), Linda Evangelista
Todos conocemos el monograma cursivo de General Electric, pero sabías que el primer logotipo de GE representaba los filamentos de un foco.
General Electric Logo
Uno de sus fundadores fue Thomas Alva Edison, quien en 1890 estableció la Edison General Electric Company, la cual se fusionó en 1892 con la Thomson-Houston Electric Company creada por Elihu Thomson y Edwin J. Houston en 1887, a esto se unió el cuarto socio J. P. Morgan. Una década después se crearía el primer logotipo de GE.
El primer logo muestra una letra “G” y una “E” en una tipografía serif, manuscrita, y bastante estilizada; éste además representaba el filamento de cobre de una bombilla incandescente, pues era el producto estrella de la empresa en aquella época. Aunque es bastante atractivo visualmente, la estética no lo es todo, y éste no era lo suficientemente legible y generaba confusión.
En 1900 la compañía amplió su oferta de productos y comenzó a fabricar turbinas, ventiladores, equipo médico, etcétera; por lo que se vieron en la necesidad de renovar su identidad, es así como se creó el monograma que conocemos actualmente, aunque tenía otros acabados, pues ha tenido algunas modificaciones a lo lago de los años. En esencia conserva las letras “G” y “E” en cursivas, pero ésta vez dentro de un escudo circular que tiene unos “bucles” que generan la sensación de movimiento constante. Incluso la marca no tiene claro cómo surgió el monograma, pero establece que fue desarrollado y utilizado para cubrir el perno central que sostiene las aspas en su lugar en un ventilador de techo.
Durante casi 100 años permaneció intacto exceptuando unas variaciones en los colores (permaneciendo siempre monocromático) pero fue en 2004 que se apostó por un color que capta la atención y que se relaciona con la tecnología, el azul. Se utilizó éste en el fondo y las letras en color blanco para resaltar y crear contraste. El éxito del monograma es indudable, pues una empresa de más de 125 años ha conservado el mismo diseño por más casi 120 años.
Studio Gráfico 