Studio Gráfico

Consejos para tomar mejores fotos con una cámara instantánea

Aprende a sacar mejores fotografías en una cámara instantánea con estos tips.

La nostalgia de las cámaras instantáneas fue devuelta cuando Fujifilm sacó las Instax, y definitivamente muchas personas desearon tener una de éstas en su colección.

Cuando la conseguí y empecé a tomar fotos, me di cuenta que no era tan sencillo como se veía. Por eso me puse a investigar y encontré estos tips que me fueron de mucha utilidad para oder usar y tomar fotos bonitas con esta cámara.

Leer el manual: A menudo creemos que las cosas funcionan instintivamente, pero definitivamente cuando adquieres una de estas cámaras, debes leer el instructivo para entender su mecánica.
Usa pilas de calidad: Estas cámaras gastan muchísima pila, por lo que utiliza las de alto rendimiento, recargables, pero sobre todo originales, no te vayas con las piratas que podrían dañar el mecanismo.
Cambiar el cartucho: No abras la tapa trasera de la cámara a menos que el indicador marque “0”. Cuando reemplaces el cartucho, asegúrate de ni exponerlo a la luz del sol o podrías develarlo.
Experimentar con tu cámara: Se que los cartuchos no son baratos, pero la mejor manera de aprender a usar la cámara es practicando, así que toma varias fotos de pruebas.
Enfoca en la distancia adecuada: Mantente a una distancia mínima de entre medio metro a 0.6 metros del objeto. El alcance real del flash es de entre 0.6 m y 2,7 m.
Cuidar el flash: Es muy importante que a la hora de disparar no cubras con el dedo el flash o los dos circulitos próximos a éste, son los encargados de medir la luminosidad de la foto.
Conoce las funciones: La cámara tiene diversas opciones para ajustarse a la luz. La casa = espacios cerrados, la nube = días nublados de poca luz, el sol = días soleados, el sol radiante = condiciones de mucha luz.
Revelado de la foto: Este es el más importante, porque hay muchas maneras de cuidarlo, cosa que a veces no hacemos.

*No agites la foto para que se revele más rápido, no es el mismo sistema que las Polaroid antiguas.

*No expongas la foto a la luz directa, esto podría quemarla.

*Un tip curioso para que los colores se impregnen mejor es resguardarla rápidamente en un lugar cálido y oscuro, como tu axila (obviamente sin tocar el papel).

Espero que con estos consejos mejorarás tus fotos de una manera significativa, pero sin duda el mejor consejos es que pierdas el miedo y salgas a experimentar con tu cámara 🙂

4 Consejos Clave para Hacer Fotografía de Producto

¿Qué Es La Fotografía de Producto?

Por si no sabes exactamente de qué se trata, podríamos decir que engloba aquellas fotografías o imágenes a través de las que se trata de vender o simplemente presentar un producto.

Por ejemplo, fotografías de componentes electrónicos, ropa, automóviles, calzado, productos alimenticios (como el de la imagen derecha), etc.

La fotografía de producto, por tanto, es aquella que se utiliza para presentar un determinado producto y de la calidad de esta fotografía dependerá el grado de aceptación y el deseo de adquirir el producto. De ahí la importancia de estas fotografías.

Consejo #1 : Elegir un fondo neutro

Salvo que tengas un fondo fantástico que creas que le va a la perfección al producto, mi recomendación es que no te compliques y elijas un fondo neutro: blanco o negro son los que mejor suelen funcionar. Además, si la fotografía de producto luego pretendes integrarla en una web o catálogo, el fondo blanco, especialmente, te proporcionará una mejor y más fácil integración.

Consejo #2 : La iluminación

Una vez que tienes preparado el fondo y, por tanto, el entorno en que llevarás a cabo las fotografías, lo siguiente es preparar adecuadamente la iluminación. En este sentido, déjame ofrecerte algunas recomendaciones:

Cuanta mayor iluminación natural mejor. Si es posible hacer estas fotografías en la calle, mejor. Aunque a lo mejor necesitas algún elemento para difuminar la luz, poder contar con mucha luz y muy difusa es fundamental para la fotografía de producto.
Si te decantas por el mencionado fondo blanco, tienes distintas alternativas para conseguirlo: una softbox si el tamaño del objeto lo permite, o bien un fondo de papel, foam, tela o incluso vinilo. Si estamos hablando de un objeto de grandes dimensiones, te recomiendo que le eches un vistazo a este artículo en el que te enseñamos cómo conseguir un fondo completamente blanco.
Si no dispones de suficiente iluminación natural, o simplemente quieres contar con un punto más de iluminación, puedes hacer uso de lámparas o flashes. Si es el caso, procura difuminar adecuadamente el destello o iluminación del los mismos a través de sábanas, papeles, paraguas o accesorios más específicos. Puedes encontrar kits bastante interesantes, tanto de luz continua como de flashes de estudio.

Consejo #3 : Utiliza Un Objetivo De Calidad

La fotografía de producto requiere un resultado profesional y para ello es necesario contar con una buena lente. Un objetivo que aporte la suficiente calidad como para que el resultado merezca la pena.

Por tanto, buscaremos un objetivo zoom de calidad, o, mejor y más barato, un focal fija que te permitirá disponer de fantásticas prestaciones con la mejor relación calidad/precio.

Consejo #4 : Un Trípode Resultará Muy Útil

Hasta lograr el resultado deseado tendrás que realizar muchas pruebas, variar la ubicación de la cámara, del producto, los ajustes de la cámara, las propiedades de la iluminación, el fondo…

Por todo esto, será fundamental contar con un buen trípode que te permita mantener las características de encuadre y composición y, además, te ofrezca esa estabilidad que posibilite una mayor nitidez y valores de tiempos de exposición más prolongados (si fuese necesario).

Por tanto, en este tipo de fotografía, no lo dudes, utiliza siempre un trípode. Tus fotos te lo agradecerán.

Hay muchos más consejos; pero estos son unos de los principales para que puedas empezar con este tipo de fotografías.

Fotografía en Pasos

La fotografía es una de los aspectos de la creatividad visual más importantes, recuerda a continuación siete recomendaciones esenciales para que logres la mejor composición.

1. Ubica el objetivo

Date tu tiempo para seleccionar adecuadamente qué es lo que quieres fotografiar, para lograrlo deberás, entender su utilidad y preparar un discurso visual sensato.

2. Analiza el entorno

Revisa qué hay alrededor de tu objetivo, el cual debe ser protagónico en tu imagen, evita elementos que puedan restarle importancia en el fondo de tu toma.

3. Elimina el aire

Con aire nos referimos al espacio que resulta sobrado alrededor del objetivo; para eliminarlo, debes encuadrar el objetivo lo más cerca posible, esto te dará nitidez y eliminarás lo que sobra para darle mayor sentido a tu imagen.

4. Aprovecha las líneas

Las líneas de tu composición ayudan a dirigir la mirada del espectador hacia puntos de interés, ubícalas bajo este precepto.

5. Colores

Encuentra colores vivos, trata de encontrar el contraste Un buen contraste o unos colores vivos harán la composición más atractiva. Se deben tener en cuenta.

6. Regla de los nueve cuadrantes

Divide tu campo visual entre nueve cuadrantes. Recuerda la regla de los nueve cuadrantes y ubica a tu objeto en el quinto de ellos.

7. Prueba una y otra vez. Antes la fotografía era complicada porque no había más que un rollo de emulsión y había que ser cuidadoso de no desperdiciar los tiros, hoy la fotografía digital permite hacer un proceso de prueba y error mucho más efectivo.

Google +

Una agencia digital modificó el logotipo de Google + para homenajear a la red social que cerró definitivamente a principios de abril.

La famosa «pero no popular» red social de Google anunció en octubre de 2018 que cerraría de manera definitiva porque descubrió una filtración de información que perjudicaría su credibilidad con los usuarios. Aunque la fecha elegida para tal acción era en agosto 2019, ésta se adelantó a principios de abril, por lo que su fin llegó más pronto de lo que imaginaban los usuarios. Con dichos eventos, una agencia digital creó una imagen a modo de obituario, en la cual se modificaba el modificó el logotipo de Google + para homenajearla.

Una vulnerabilidad en la seguridad de la red social de 2015 a marzo de 2018 fue la causante de que se expusieran los datos personales de cientos de miles de usuarios, por lo que la compañía decidió cerrar la plataforma en su formato personal y pausar la empresarial en agosto de 2019. Por si no fuera suficiente “humillación”, un nuevo agujero fue descubierto poco después del anuncio oficial y que afectó a 52,5 millones de usuarios, por lo que la empresa adelantó la fecha al 2 de abril de 2019.

Google informó sobre el cierre y auxilió a los usuarios a rescatar sus documentos y archivos para poder descargarlos, con ello llegó el fin definitivo de la red social que buscaba competir con Facebook y que sólo logró igualarla en robo de información. Con motivo de esta “defunción” la agencia digital Digitaka.sk creó un anuncio que funge como obituario de una forma creativa pero respetuosa.

El logotipo de Google +, se caracterizaba por el signo sumatorio de “mas” que se añade a la tipografía de “Google”. Esto era sobre un fondo naranja opaco y letras blancas. El rediseño consiste en un fondo negro y el mismo imagotipo, con una pequeña modificación, el símbolo “+” se alarga un poco formando una cruz que se relaciona directamente con la muerte, por la asociación con la religión católica en la que Jesús murió.

Colores primarios, secundarios, cálidos o fríos

Hay veces que pensamos que las cosas son obvias y en realidad las pasamos por alto o las ignoramos.

Si no recuerdas cuáles son las características de los colores cálidos, fríos, primarios, secundarios y terciarios. Este tema lo domine un poco más ya que llevé durante uno o dos semestre la materia específicamente sobre el manejo y la teoría del color.

Los colores primarios

El reflejo de la luz sobre los objetos da como resultado tres colores básicos: amarillo, rojo y azul. Ninguno de ellos se puede obtener de la mezcla de otros colores y por ello se consideran primarios. A su vez, de la mezcla de ellos es posible obtener el resto de colores que se pueden percibir en la naturaleza.

Sin embargo, para la industria de las artes gráficas se habla de otros modelos de colores primarios que involucran otros colores que no son precisamente los tres que hemos enunciado. Estos modelos permiten desarrollar productos específicos y su coloración:

Modelo RGB: Rojo, verde y azul.

Modelo CMY: Cian, magenta y amarillo.

Colores primarios psicológicos: Rojo, amarillo, verde y azul.

Pero más allá de la conveniencia de uno u otro modelo, en lo que sí coinciden los especialistas es en afirmar que de una base de tres colores es posible desarrollar toda una gama de colores que, si están presentes junto con la luz se acercan al blanco y, si se alejan de la luz, viran hacia el negro.

Colores secundarios

Los colores secundarios surgen de la combinación de dos colores primarios y la intensidad de cada uno de ellos depende d la proporción en la que se usen cada unos de estos.

Rojo + amarillo = naranja,

Rojo + azul = púrpura,

Amarillo + azul = verde.

Colores terciarios

Estos se obtienen de la mezcla de un color primario y un secundario y ciertamente no es más que la extensión de colores, ya sean primarios o secundarios, a los cuales se les confieren matices que los colocan más cerca de uno u otro color que los ha originado.

Colores cálidos y fríos

Para hablar de calidez o frialdad hay que asumir al color como algo subjetivo que permite evocar sensaciones que, con base en el propio conocimiento humano se pueden recordar o emular.

Bajo esa lógica entendamos que los colores cálidos van del rojo al amarillo, pasando por toda la variedad de colores secundarios y terciarios que hay entre ellos. Estos colores permiten evocar las fuentes de calor que existen en la naturaleza (fuego y sol).

Los colores fríos, a su vez, transitan entre el azul y verde, pasando por toda su gama de secundarios y terciarios. El azul permite evocar al agua y la ausencia de calor, mientras que el verde brinda la posibilidad de pensar en la humedad y frescura de la vegetación.

Pinturas en Movimiento: El trabajo de Neon Carón

Las obras del pintor mexicano han sido reconocidas por artistas de renombre por su originalidad, al combinar arte con la tecnología de realidad aumentada.

Por medio de imágenes que cobran vida a través de una aplicación de iOS y la tecnología de realidad aumentada, las obras del pintor mexicano Neon Caron han dejado huella en artistas internacionales como Maluma, Miley Cyrus, David Guetta y recientemente la banda Garbage, que se llevó una pintura durante su estadía en la ciudad por su presentación hace unos meses. “Fueron muy cariñosos y les encantó mi cuadro, les agrada mucho el arte mexicano y la animación que hace referencia a su nuevo disco, también me preguntaron si estaría interesado en hacer una portada de disco para ellos; no cerramos ninguna puerta y esperamos ver qué oportunidades se abren en el futuro”, comentó en entrevista vía telefónica.

Neon Caron, seudónimo de Jaime Shelley Salinas, mencionó que la inspiración para utilizar la tecnología de realidad aumentada, tradicionalmente utilizada en la publicidad, fue el otorgar un nuevo giro a la pintura“La idea fue poner un espíritu al cuadro, que haya algo en la obra que no se ve a simple vista, y que por medio de un teléfono o dispositivo se pueda apreciar la verdadera interpretación de lo que quiero plasmar’’, señaló.

Significado de los colores en el diseño gráfico

En alguna ocasión hemos tratado ya en redes sociales el tema del color y su significado aplicado a logos de marcas mundialmente conocidas. Hoy hablaremos en profundidad de los colores más usados y pondremos ejemplos de marcas que los han integrado en su imagen de marca.

Para una empresa, todo comunica, y cuando no tenemos mucha información sobre ella, su logotipo suele ser su cara más visible. Por lo tanto, transmitir su valores y filosofía empresarial a través de su logo, es el objetivo que toda marca se propone cuando hace su diseño de logotipo.

Nuestra mente funciona de manera automática hacia ciertos colores de los que de manera subliminal obtenemos información y reaccionamos por instinto, prácticamente. En cambio, existen otros colores de los que hemos aprendido su significado, muchas veces impuesto por la cultura en la que vivimos y que cambia según los países y círculos sociales en los que nos movamos.

Rojo

El color rojo se suele identificar con la fortaleza, la intensidad y la valentía. Se trata de un color con una gran dualidad puesto que lo podemos relacionar con emociones como la agresividad, la violencia, la sangre o el fuego; o transmitirnos emociones como el amor, la fuerza o la acción.

En el diseño de logos, el rojo es un color bastante utilizado por llamar a la acción del observador, incluso se dice de él que es capaz de abrir el apetito. Por ello, en marcas como Red Bull, Kellogg’s, Heiz, Coca-cola o Lays es el color predominante.

Naranja

Este color se compone de 2 colores primarios: el rojo y el amarillo; por lo que le prestan algunos de sus atributos. De esta forma, uno de sus significados más comunes es el de transmitir positividad y alegría, de hecho es uno de los colores con menos atributos negativos que encontraremos en diseño.

Marcas como Fanta, Mozilla, Gatorade, Easy Jet u Orange se componen básicamente de este color llamativo y vivaz.

Verde

El color verde es el que representa el Medio Ambiente, la Salud, la Naturaleza, la tranquilidad y, en general, la vida y la renovación. Nos aporta sentimientos de armonía, fertilidad y frescura.

Algunas de las empresas mundialmente conocidas que los utilizan como valor de marca son: Heineken, Starbucks, IntermonOxfam, Mercadona o Greenpeace.

Amarillo

Este color transmite, al igual que el rojo, una dualidad de significados como felicidad, alegría, calidez, positivismo; pero también puede generar emociones de cobardía o precaución. El amarillo es un color muy llamativo y visible que se utiliza en diseño para atraer la atención.

Ejemplos como McDonald’s, Hertz, Raid, Vueling, Post-it o Páginas Amarillas, serían una claramuestra de cómo las marcas desean llamar la atención del público.

Azul

Se trata de un color que transmite calma y serenidad, pero también se le atribuyen conceptos como el de seguridad, poder, éxito o confianza. El azul es uno de los colores más utilizados por los diseñadores gráficos y se utiliza en diversos sectores, desde el ámbito gubernamental, grandes corporaciones internacionales o Medicina.

Compañías como IBM, La Nasa, Facebook, Pfizer, Ford o BBVA han escogido este color para transmitir su filosofía empresarial.

Logo del Día: Pueblos Mágicos

La otra vez, estaba en Facebook y me apareció un anuncio, acerca de los pueblos mágicos que podemos encontrar en la República; me metí al perfil para ver algunas imágenes de los pueblos y me llamo mucho la atención la foto de perfil que tenían, y me dio curiosidad porque habían elegido esos colores y el icono del logo, entonces decidí investigar más y lo que encontré fue esto:

Los Pueblos Mágicos son parte de un programa de la Secretaría de Turismo (Sectur) que protege y ayuda a ciertas ciudades que guardan tradiciones y patrimonios culturales del país, al mismo tiempo que fomenta el turismo en dichos poblados para que los visitantes conozcan los encantos de los territorios; actualmente se cuentan con 121 poblados registrados.

El logo de Pueblos Mágicos se utiliza para reconocer una población con dicha denominación adquirida pero guarda un significado especial en cada uno de sus elementos.

El imagotipo consiste en un rehilete con cinco aspas que están diseñadas para mostrar un constante movimiento, cada uno de ellos tiene un valor que en conjunto representa a la población en general, es decir, cada color tienen un significado:

El morado es la cultura y tradición; el azul simboliza a la gente; el verde a la naturaleza; el naranja a la gastronomía típica y el rosa mexicano a las artesanías únicas del lugar.

La tipografía principal es ITC Cerigo Bold y de acuerdo a su manual de identidad gráfica, la secundaria es la Verdana Regular, aunque tiene algunas modificaciones en sus vocales, en las que se les añade en la parte inferior un detalle que le agrega un estilo rústico, que va con la intencionalidad. Esto da en conjunto un concepto visual que pretende proyectar la riqueza de los poblados maravillosos por su extraordinario patrimonio histórico, cultural y natural. Al igual que la marca turística de México, el logotipo de Pueblos Mágicos fue encargada a la agencia MBLM.

Me gustó mucho que la página te explica todo acerca de su imagen, ya que es importante que los demás sepan sobre lo que significa su logo.

Me gustaría dejarles unos de los pueblos mágicos que más me llamaron mi atención y que me gustaría visitar algún día o si ya visité.

Arteaga, Coahuila

Yo ya tuve la oportunidad de ir a este Pueblo Mágico, ya que a mi papá le gusta mucho el clima que hay, y al igual le gusta mucho estar cerca de los bosques y las montañas. A este Pueblo Mágico se le conoce como «La Suiza de México», este lugar de la Sierra Madre Oriental comprendido por las enormes montañas de La Viga, La Martha y La Siberia, es el escenario ideal para practicar ecoturismo y actividades de aventura, ahí hay hermosas cabañas donde el turista puede disfrutar del ambiente campestre y practicar senderismo, avistamiento de aves y paseos a caballo.

Santiago, Nuevo León

Este Pueblo Mágico, estoy muy feliz que lo pueda tener cerca, ya que es un municipio de donde vivo yo. He ido varias veces a Santiago, específicamente a La Presa la Boca, y a la cascada Cola de Caballo, la cual se me hizo super bonita. En las calles de Santiago se respira un tranquilo aire provinciano que invita al descanso. Después de relajarte en una banca, pide una mesa en alguno de los muchos restaurantes de comida local e internacional. La foto que adjunte la tome yo en el 2014.

Tapijulapa, Tabasco

A este lugar yo ya tuve la fortuna de ir, es un lugar demasiado tranquilo, donde solo escuchas el sonido de los animales, es un lugar un poco retirado de las carreteras, es un pintoresco rincón de origen zoque donde el agua y la selva abundan. Aún conserva su elegante traza virreinal en la típica arquitectura de las casas, pintadas de blanco, con tejados de dos aguas, y las calles empedradas. Yo tuve la oportunidad de conocerlo, ya que cuando estaba en el primer semestre de la preparatoria mi escuela hizo un campamento de tres días en el cual se realizan muchas actividades al aire libre, y el lugar al que fuimos fue a la reserva ecológica de Kolem Jaá, que se encuentra dentro de Tapijulapa. Este Pueblo Mágico se encuentra en el estado de Tabasco, específicamente en el municipio de Tacotalpa.

Palenque, Chiapas

Este Pueblo Mágico ya tuve la oportunidad de ir, específicamente 3 veces. Es un lugar muy mágico y lleno de historia, aprendes bastante acerca de la cultura que se asentó ahí; las pirámides son algo impresionante, es muy interesante ver todo lo que está grabado en las piedras. Palenque, una de las ciudades más notables del mundo maya, está en el corazón del sureste de México, al noreste del estado de Chiapas, en una zona de selva tropical alta donde abundan cascadas y ríos. Al igual que Tapijulapa, tuve la oportunidad de conocer esta maravilla, ya que fue parte de una excursión de mi escuela. Conocí Palenque, Yaxchilán y Bonampak; al igual tuve la fortuna de estar en la frontera con Guatemala, lo cual se me hizo impresionante que solo nos dividiera el Río Usumacinta.

La fotografía la tome arriba de una pirámide, me encanto el resultado y la forma en que se ve la selva.

5 dispositivos indispensables para diseñadores gráficos

Estos dispositivos para diseñadores gráficos conforman las herramientas básicas para desarrollarse correctamente y crear productos eficientes.

Designer working on responsive web design project. Web developer and programmer working in office with modern devices on desk

Existen herramientas que facilitan el trabajo para los creadores de contenido visual que ayudan a optimizar los tiempos de elaboración o concebir proyectos de una manera más fácil. En la era digital, lo anterior se trasladó a distintos “gadgets” que simplifican los procesos, pero la tecnología avanza tan rápido y tiene tanta competencia que para elegirlos correctamente se tienen que considerar ciertos factores para evitar invertir en algo que no resulte útil, por ello a continuación enlistamos cinco dispositivos para diseñadores gráficos que son indispensables.

Computadora:

Aunque la computadora se volvió un aparato necesario para muchas profesiones, en el diseño guarda una relación muy notable y estrecha, puesto que el desarrollo del trabajo entero se lleva a cabo en ella. Existen características indispensables para soportar la carga de trabajo que recibirá, por lo que es necesario que la elijas con conciencia.

Bolígrafo de pantalla táctil:

La oportunidad de continuar trazando a mano, pero con la ventaja de digitalizar todo al momento, es algo sumamente práctico, útil y que conserva el estilo gráfico de los profesionales, por ello contar con un bolígrafo para las pantallas táctiles es algo que cualquier diseñador necesita considerar.

Mesa de luz:

Las mesas de luz portátiles son una excelente ayuda para los ilustradores que desean crear dibujos de manera clara y precisa, consisten en aportar luz para que se pueda ver a través de ciertos materiales como el papel, este tipo de herramientas es fundamental cuando se desea optimizar los tiempos de entrega.

Impresoras 3D:

Una maravilla de la tecnología es la creación de miles de productos mediante las impresoras 3D, que simplifican todo el proceso de producción y permiten concebir un objeto con sólo tener el diseño digital.

Multicontacto o adaptador de entradas:

En ocasiones la utilización de los productos anteriores requiere diversas conexiones en cuanto a cables o tarjetas, por lo que es necesario que tengas siempre a la mano un adaptador o un multicontacto, para que no te quedes sin la posibilidad de utilizarlo por que no puedes enchufarte.

¿Qué queda a 100 años de la Bauhaus?

A 100 años de la Bauhaus lo herederos y protectores de esta corriente aún trabajan para acercar el arte y el diseño a las personas.

La Staatliche Bauhaus es una de las escuelas más importantes de diseño gráfico, arquitectura y arte, su reconocimiento, influencias, personajes, herencias y diseños aún continúan siendo fundamentales para el desarrollo de nuevos productos, pero a 100 años de la Bauhaus, ¿qué queda de ésta? y sobre todo ¿cómo se ha adaptado a las nuevas necesidades actuales?

Unos de los principales legados que nos dejó la escuela son sus edificaciones en Weimar y Dessau, ambas pertenecen al Patrimonio de la Humanidad de la Unesco desde 1996. Los cuales fueron pioneros en la imagen de modernidad al inicio del siglo pasado. Son un símbolo de la modernidad holística debido a su trascendencia en los aspectos sociales que combinaban arquitectura, arte y funcionalidad (ambos puedes conocerlos con visitas guiadas).

Hoy en día la oferta educativa sigue en ambos edificios, aunque con diferencias a sus predecesores y con distintas direcciones entre cada una de ellas. La Universidad Bauhaus de Weimer ofrece principalmente estudios de arquitectura y urbanismo , ingeniería civil , arte y diseño y medios de comunicación, en las que se distingue la experimentación, apertura, creatividad e internacionalidad.

Con información de Gaby Reucher para el sitio Deutsche Welle (DW), la profesora de radio experimental y vicepresidenta de la Universidad de la Bauhaus en Weimer, Nathalie Singer, informó que se creó un semestre especial (octubre 2018) para celebrar el centenario de la escuela y lo que esto significa: “En conferencias y coloquios, por ejemplo, consideramos qué ideas de entonces se pueden transferir a nuestra era digital o a nuestras preguntas sobre la relación entre el hombre, la naturaleza y la tecnología […] ahora nos enfrentamos, por ejemplo, a la gran pregunta de qué es lo que la digitalización está haciendo con el diseño, pero también con la sociedad y su comportamiento”.

Los estudiantes están preocupados por revolucionar la arquitectura al igual que sus predecesores, lo que antes se requería era construir edificios prácticos y a bajos costos, para facilitar la movilidad y el trabajo de las personas después de la Primera Guerra Mundial, actualmente la sostenibilidad y la eficiencia energética son temas primordiales.

En cambio Dessau está regido por la Fundación Bauhaus de Dessau quien se encarga de crear, mantener y difundir distintos proyectos que honran la visión innovadora de la escuela. Más cercana al arte y a la curaduría de los patrimonios existentes, en esta sede se mantuvieron los estudios abiertos hasta la década de los 2000, cuando se transformaron en talleres (labs), programas de investigación, eventos y un museo que abre sus puertas para el aniversario número cien.

Regina Bittner, Directora de la Academia de Dessau, estableció también para DW que “con las edificaciones de la Bauhaus y el nuevo Museo, inaugurado en el aniversario, tratamos de establecer vínculos entre la herencia física de la Bauhaus y la actualidad, así como introducir objetos de nuestra propia colección en las ciencias del diseño”.

También expresó que los proyectos surgidos de la Bauhaus están siendo valorados nuevamente, no sólo por el centenario, sino por que en el actual mundo globalizado se requiere de un nuevo tratamiento para los recursos naturales, así como su producción y consumo. “Una experiencia de crisis como ésta se vivió en los años 20. Entonces, los representantes de la Bauhaus buscaron soluciones para vivir y diseñar más humanamente en un presente cambiado por la industrialización”.